Diálogos de un desatino

Esto es lo que lamentablemente ha ocurrido en este fin de semana, en que hemos tenido ocasión de asistir a los 'Diálogos de carmelitas' de Francis Poulenc, en un montaje resultado de una coproducción abanderada por los teatros Villamarta de Jerez y Cervantes de Málaga, y (re)presentado en la Sala Argenta del Palacio de Festivales, tras su correspondiente rodaje por los escenarios de origen. Ya cuando conocimos la elección de la obra con la que supuestamente nos íbamos a sacar la espina de la ópera en este 2025 pensamos que no era el título más acertado. Con total seguridad existen otras propuestas más o menos asequibles al alcance de la programación cántabra, sin necesidad de caer en un título tan pacato y desfasado que, por otra parte, tampoco se ha visto acompañado por una realización excelsa que nos compense de las casi tres horas de tedio estoicamente soportadas.

Y conste que en este comentario no subyace una cuestión de ideologías o de temporalidad. La obra no gusta hoy porque no puede gustar: está demasiado alejada de nuestras inquietudes actuales, de nuestras expectativas, de nuestro sentido estético contemporáneo. Y no se trata de que nos hable de la Revolución Francesa o de un exaltado sentimiento religioso: hoy vemos, por ejemplo, una Juana de Arco (estoy pensando en Honneger ahora) y se nos pone el vello de punta, precisamente por una cuestión de lenguaje. Por lo demás, la partitura, salvo momentos aislados, tampoco ayuda demasiado, y el libreto de Poulenc y Lavery tiene pasajes que rozan el ridículo. La construcción del personaje central que realiza Poulenc (la traída y llevada Blanche de la Force) emite un vago tufo a misoginia, con un carácter llorón, absolutamente endeble e inconexo, y que no genera empatía alguna.

Con estos torpes mimbres realizó Robert Carsen en el Teatro Real hace ya unos años un hermoso montaje, que subrayaba los elementos simbólicos de la obra, precisamente porque era consciente de que ceñirse al pie de la letra era un desatino. Desatino en el que, más allá de exorbitados presupuestos de otros coliseos más boyantes, se ha caído en el presente montaje de Francisco López, por un deseo de hacer política de bar en un auditorio. No era el momento, señor López. Las proyecciones (tantas veces inoportunas en tantos montajes escénicos) nos asedian en esta ópera con imágenes absolutamente descontextualizadas de Stalin, Hitler o Mussolini, de ciudadanos enmascarillados en la época de la gripe española, de hombres y mujeres en campos de exterminio. Tampoco faltan destellos cinematográficos de la cinta sesentera de Agostini y Bruckberger, con guion de Bernanos. Todo ello configura un pastiche extravagante sumamente distractivo que, con independencia del interés que (no) nos suscita la ópera, logra sacarnos totalmente de ella. Lo mismo ocurre con la proyección en el fondo de la escena de palabras obvias (miedo, muerte…) o de retazos del texto, que no entendemos por qué aparecen allí.

La escena se configura como un recinto cerrado, gris y claustrofóbico, absolutamente estático. Allí rezan las monjas (demasiado a menudo, por cierto), allí se van muriendo por sí mismas, allí las ejecutan. No hay un solo juego interesante de luz, no se incluye ningún atrezzo de apoyo a excepción de una cama; se mencionan altares y confesionarios y reclinatorios, y no vemos ni un triste esquema de tales elementos.

Desde un punto de vista musical, debemos subrayar los decibelios de la orquesta y de las voces. Todo sonó demasiado estruendoso en una obra que se supone afecta al misterio y el recogimiento. A pesar de ello, la Orquesta Oviedo Filarmonía, dirigida por Pedro Halffter, salvó los muebles a excepción de los mencionados excesos dinámicos; hubo sutileza especial en algunos dúos y se resolvió con acierto la parte más «morbosa» de la obra (la ejecución de las monjas), situando en lateral la percusión. En cuanto a los cantantes, se imponen unas urgentes clases de francés en algunos de ellos. Las voces, por otra parte, pecaron de estridencia en los casos de Eglé Wyss (María de la Encarnación) y Mar Morán (Constance), aunque también tuvo momentos destemplados Maite Alberola (Blanche). El cántabro Alejandro del Cerro (el caballero de la Force) cantó también con volumen pero escasa finura. AnaIbarra (la priora que fallece entre blasfemias) fue sin duda la voz más sabia y dramática de la noche. Estuvieron correctos el Coro Lírico de Cantabria y el Coro Joven de Santander.

Por último, sería deseable que en próximas citas los sobretítulos fluyeran al compás de la obra. Fueron numerosas las ocasiones en que la pantalla se quedaba en negro y de repente, de forma atropellada, se sucedían los textos atrasados sin poder leerse. Sabemos que somos inexpertos en programación de lirica, pero tampoco es necesario demostrarlo de forma tan evidente.