Un encuentro de imaginación colectiva

Cada proyecto expuesto debe entenderse como un trabajo en sí mismo, tal y como señaló esta última, «como una invitación única para involucrar al público con los lenguajes, espacios y redes que han ido tejiendo los artistas seleccionados entre un total de 428 solicitudes de 42 países diferentes». Así, en la primera planta del edificio de Renzo Piano, que por primera vez desde su inauguración dedica todas las salas a estos 'Itinerarios', se pueden ver esculturas, instalaciones, audiovisuales, pintura, fotografía... «Distintas obras unidas por el contexto en el que habitamos con una serie de procesos permeables a los momentos que vivimos, marcados por crisis económicas, ecológicas y sociales, pero también definidos por la creación de nuevas alianzas y espacios de encuentro para imaginar, colectivamente otros formatos posibles».

Entre los ocho artistas, procedentes de varios países –como Israel, Argentina, Portugal o Perú–, también hay dos cántabros: Alfonso Borragán (Santander, 1983) y Seila Fernández Arconada (Santander, 1986).

Borragán presenta 'Halito' un proceso de investigación artística que desemboca en la creación de una película sobre la ingesta, el cultivo, la ritualidad y las poéticas materiales de la sal. El proceso y el filme se enmarcan dentro de un proyecto más amplio, 'Litofagos', que se activa a través de acciones colectivas y versa sobre la ingesta ritual de piedras y los efectos de su inscripción en el cuerpo humano. Además de 'Halito', el creador expone 'Dingua', una pieza formada por el vacío generado a través de las lenguas de las vacas tudancas al lamer la sal de Uyuni (Bolivia).

La otra santanderina, Seila Fernández, presenta dos obras sonoras. Un proyecto que ha titulado 'Estudio flotante, cuando el río suena en Amazonas'. Está inspirado en la relación entre el ser humano y el agua; partiendo del río Amazonas y de los territorios aledaños que para esta artista se convierten en «estudios flotantes», espacios compartidos, lugares de interacción, creación e investigación científica, artística y comunitaria. En la exposición, además de la documentación del proceso, presenta dos obras sonoras: 'Gota a gota el agua se agota', grabada durante un viaje a la Amazonía peruana con exploraciones sonoras desde diferentes experiencias colectivas y que continuó en el río Guadalquivir. La otra pieza se titula: 'Amazonas entre realidad y ficción' y está basada en 'La Gioconda', ópera de apertura del Teatro Amazonas en Manaos, en la Amazonía brasileña en 1897.

Armando Andrade Tudela (Lima, Perú, 1975) presenta la obra 'La Verdad ha cambiado', en la que continúa con su investigación sobre las complejas correlaciones entre pedagogía, vanguardia, dogma y militancia en la historia reciente de Perú que comenzó en el año 2013 con el proyecto 'UNSCH/Pikimachay'. El confinamiento le hizo cambiar el paso y no pudo realizar toda la labor de campo y entrevistas previstas por lo que finalmente exploró estos vínculos concentrándose en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Católica, donde estudió en los años 90. La película nace de una serie de fotomontajes en los que intercala fotografías provenientes del archivo de esa facultad con imágenes de la vida estudiantil. A partir de este guion visual, cuatro actores (Julie Kieffer, Franck Lestard, Morgane Roumegoux y Bruno Silva) interpretaron de mutuo acuerdo roles de dominio y sometimiento, ruptura y restablecimiento.

¿Se configura igual una comunidad de fe que una comunidad de usuarios?, ¿cuál es la función de los relicarios católicos en la actualidad?, ¿no son las pantallas de nuestros smartphones los relicarios del siglo XXI?, ¿tiene el mismo impacto un cuerpo-objeto que un cuerpo-imagen? El proyecto 'La Influyente', de Joan Morey (Mallorca, 1972), parte de las reliquias de Santa Teresa de Jesús para analizar la influencia que puede causar un cuerpo a través de dispositivos premodernos y tecnológicos, y su capacidad para formar comunidades de fe o de usuarios hiperconectados. El resultado es una performance expandida para pantallas (como dispositivos espectrales) y cuerpos (como imagen), que investiga una resignificación alegórica de la fragmentación y dispersión del cuerpo de Santa Teresa y los relicarios para poner en diálogo a comunidades de fe de carácter religioso o no.

'Los primeros fríos' es la obra de Gonzalo Elvira (Neuquén, Patagonia Argentina, 1971), una microhistoria dentro de un atlas de investigación mucho más grande que el artista está desarrollando para esclarecer algunos agujeros negros de la historia. Este capítulo gira en torno a la escultura de Miquel Blay i Fabregas (Olot) de mismo nombre, cuyo original se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, y su copia, del mismo escultor, en el Jardín Botánico Carlos Thays de la ciudad de Buenos Aires. Este grupo escultórico fue testigo presencial de la manifestación del 1 de mayo de 1909 en la antigua Plaza Lorea, que desencadenó la Semana Roja en Buenos Aires y donde fueron asesinados un número indefinido de trabajadores por la represión policial.

Los dibujos expuestos han sido realizados a partir de dos técnicas: puntos y líneas en tinta que permiten al artista acercar a la trama o grano de las fotografías-documentos. En las vitrinas se pueden ver, además, documentos históricos, bibliografía y dibujos, creando una constelación a partir del grupo escultórico.

La obra de Assaf Gruber (Jerusalén, Israel, 1980) es el resultado de su investigación del modo en que la política se entrelaza con el arte y sus instituciones, y pone de manifiesto las historias humanas y los cambiantes valores ideológicos que se esconden en la 'trastienda' de las instituciones culturales. En esta ocasión, la principal protagonista de la labor de investigación artística de Gruber es la colección de arte de vanguardia de Egidio Marzona, que abarca cerca de un millón y medio de piezas, entre las que se cuentan algunas de las obras más canónicas del siglo XX, firmadas por artistas como Man Ray, Marcel Duchamp y El Lissitzky.

Lucía Bayón (Madrid, 1994) se centra en la búsqueda de nuevas materialidades para sus obras escultóricas mediante la exploración, recuperación y actualización de prácticas cotidianas de conservación y preservación, extendiendo su contexto y producción manual a la utilización de ciertos procesos industriales. La artista también ahonda en los materiales más sensibles al tiempo, al espacio, al contexto y a la lógica interna dictada por las sustancias. El cuerpo de trabajo que presenta responde a la experimentación con pulpa vegetal proveniente de prendas de algodón recolectadas e intervenidas.

La obra de Ana Santos (Espinho, Portugal, 1982) resulta de una interpretación libre y personal de la producción de objetos en su relación con el espacio, descubriendo la voluntad de ser de los materiales de trabajo. Mediante esta experiencia fenomenológica, cargada de poesía en la búsqueda incesante de los materiales, revela un mundo cromático y táctil, marcado por referencias industriales y urbanas. Durante el desarrollo de su proyecto para esta muestra, Santos experimentó con nuevos materiales y técnicas, enfatizando el predominio del color y el tratamiento de la superficie de las esculturas que presenta.