Del Greco a Zuloaga: un viaje a través de obras maestras

Del paisaje y el retrato a las luces y sombras de la devoción. El viaje artístico, a través de una treintena de obras maestras, es uno de los periplos más ilustrativos y reveladores de la importancia de un fondo museístico y de la trascendencia de una Colección. Del Greco a Zuloaga, entre varios trayectos transversales, cronológicos o temáticos, es la muestra que exhibe hasta el otoño el Museo de Bellas Artes de Bilbao, inmerso en pleno proyecto de ampliación. Integran la muestra 30 pinturas y dos esculturas pertenecientes a la extensa colección de arte español del histórico espacio de arte bilbaíno. A los nombres de El Greco, Ribera, Murillo, Zurbarán, Paret, Goya o Zuloaga, se unen piezas maestras o emblemáticas como La Anunciación, San Pedro en lágrimas, o el retrato de Martín Zapater. Y ello a través de tres territorios temáticos que garantizan una ordenación transparente de miradas y representaciones: 'De la mesa al horizonte': flores, frutas y paisajes con mucho encanto; 'Más allá de la superficie': retratos que van del poder cortesano a la introspección emocional; y 'Luces y sombras de la devoción': arte sacro en estado puro.

La muestra, recién inaugurada, se exhibió en los meses anteriores en el Bellas Artes de Sevilla donde logró una respuesta masiva de público con cerca de 116.000 visitantes entre diciembre de 2024 y el pasado mes de marzo. En este regreso la pinacoteca ha incluido el óleo de Mariano Fortuny 'La plaza de toros de Sevilla' (c. 1870), otra prueba simbólica que certifica la calidad del fondo de obras de escuela española que conserva la colección. La selección realizada por José Luis Merino Gorospe, conservador de Arte Antiguo del museo y comisario de la muestra, recorre cuatro siglos de arte español y pone el acento en dos de los géneros más significativos del periodo, el retrato y el arte religioso, a los que acompañan ejemplos también relevantes de pinturas de naturaleza muerta y paisaje.

El recorrido expositivo incluye obras de pintores tan notables como los citados y presenta además dos bellas tallas religiosas en madera y pequeño formato: Calvario (c. 1576-1580) de Juan de Anchieta y Dolorosa (c. 1754-1756) de Juan Pascual de Mena. Entre las obras, destacan 'La Anunciación' (1597-1600) del Greco; 'Santa Isabel de Turingia y Santa Catalina de Alejandría' (c. 1650-1660) de Zurbarán; 'San Pedro en lágrimas' (c. 1650-1655) de Murillo; 'Vista de Bermeo' (1783) de Paret; 'Retrato de Martín Zapater' (1797) de Goya, o 'Doña Rosita Gutiérrez' (1915) de Zuloaga. Como novedad, se presenta por primera vez en el museo, tras su adquisición el pasado año, el cuadro mencionado de Fortuny, «un exponente relevante de pintura del natural que se corresponde con la faceta más genuina y personal del artista».

La exposición arranca en la sección 'De la mesa al horizonte' con dos de los pintores de naturaleza muerta más emblemáticos en la historia del género: Juan de Arellano, con un exponente de gran calidad de bodegón floral, del que fue maestro, y Luis Meléndez, que en una equilibrada composición muestra su enorme talento para la representación de las cosas y la fértil herencia de los bodegones de cacharros y frutas de Zurbarán. Ambos manifiestan a la perfección, y con casi un siglo de diferencia, «las posibilidades sensoriales y el gusto por el detalle de este imperecedero género de la pintura», según el comisario. Junto a ellos, cuatro paisajes fechados entre los siglos XVII y XIX aportan distintas variaciones a las representaciones del territorio. Siendo aún joven, Ignacio de Iriarte viajó a Sevilla, donde probablemente se formó en el taller de Herrera el Viejo.

La exposición presenta un paisaje con figuras en el que la iluminación en penumbra y la disposición en distintos planos aportan misterio y profundidad a la composición. «El capricho arquitectónico con un catálogo de edificios imaginarios en perspectiva proporciona un opulento escenario al relato bíblico» que pinta Francisco Gutiérrez Cabello. Por su parte, la pintura de vistas de Luis Paret tiene en la panorámica de la villa de Bermeo «un excepcional precedente de lo que más tarde sería su célebre serie de los puertos del Cantábrico». Las figuras galantes de la parte inferior de este óleo sobre cobre encuentran eco en la escena de género titulada 'Dama leyendo una carta', de José Camarón. Por último, el plenairismo de Mariano Fortuny resuelve la representación de la plaza de toros de Sevilla en una composición dividida a partes iguales «entre el celaje, el albero y los tendidos, protagonizada por la pincelada descompuesta con la que Fortuny dispone luces y sombras.

La parte central de la muestra, la de los Retratos, reúne espléndidos ejemplos de diferentes aproximaciones a otro de los grandes géneros de la pintura: «El retrato individual, bien sea cortesano, magníficamente representado por Alonso Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz y Claudio Coello, o «a lo divino», una adaptación especial del género presente en las santas de Francisco de Zurbarán. Fechados ya a finales del XVIII y primeras décadas del XIX, los cuadros de Francisco de Goya y Vicente López explican en su captación psicológica y en su talento escenográfico, respectivamente, por qué ambos artistas son considerados entre los mejores representantes de la pintura de retrato. Cierran la selección dos figuras femeninas con paisaje a cargo de Ignacio Zuloaga, que cita la tradición pictórica española en las enseñanzas del Greco y Goya, y Anselmo Guinea, que asimila la luz impresionista aprendida en París.

Para finalizar el recorrido, la sección 'Luces y sombras de la devoción. Arte sacro' exhibe un conjunto de imágenes al servicio de la fe. A los ya citados maestros de los siglos XVI y XVII –el Greco, Juan de Anchieta, José de Ribera, Francisco de Zurbarán y Bartolomé Esteban Murillo– los acompañan obras destacadas de Luis de Morales, Francisco de Herrera el Viejo, Pedro Orrente, Vicente Castelló, Juan Ribalta y José Antolínez.

La secuencia se alarga hasta el XVIII con Luis Paret, esta vez con un refinado sentido del color en 'La Virgen con el Niño y Santiago el Mayor', y Juan Pascual de Mena, que representa a María en una hermosa imagen de devoción privada en la que el movimiento contenido de la figura y los pliegues concentran su dolor aliviado solo en parte por la elegante policromía.

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