«Vivir de la danza es cuestión de pura resistencia»

–¿Cuándo empezó a bailar? ¿Cuál fue el detonante?

–A los 7 años, porque era mi mayor deseo. Mi madre me decía que sólo podría empezar a bailar a los 7 años (edad mínima para entrar en el Conservatorio de São Paulo) y me acuerdo de contar las últimas dos Nocheviejas antes del proceso selectivo para ingresar en el Conservatorio. Desde que entré, la danza nunca ha salido de mi vida.

–¿Qué significa para usted la danza? ¿qué le aporta?

–Es oportunidad. Me siento muy privilegiada por persistir en el mundo de la danza. Todos sabemos que es muy duro vivir de esta profesión; es una cuestión de pura resistencia. Pero si me pidieras quitar la danza de mi día a día, de mí no quedarían ni los huesos.

–¿Por qué investiga sobre el tema de la antropofagia?

–La antropofagia cultural me fascina. Parece ser un tema complejo pero si lo miras con atención pasa a ser sencillo e intuitivo: comer, digerir y apropiarse de un hecho cultural es un regalo en la actualidad, apropiarse de forma consciente e investigativa de una cultura lejana, implica la percepción del otro y nos pone en contacto con nuestra propia subjetividad. Mi permanente interés por cuerpos disonantes y por lenguajes híbridos proviene de la antropofagia cultural, en ella encuentro posibilidades de desestabilizar lo homogéneo, porque las jerarquías empobrecen las experiencias corporales y reducen la capacidad creativa.

–¿Qué diferencia encuentra en el sector de la danza en España respecto a Brasil?

–No es ningún secreto que Brasil pasa por un periodo muy especial con relación a la política y a la economía. Pero soy una artista que ha tenido numerosas oportunidades de formación y trabajo gracias a las acciones culturales públicas. Ver llegar la noticia de que una de las propuestas del futuro presidente es extinguir el Ministerio de Cultura, duele profundamente. Pero tengo esperanza de que la clase artística junto con la comunidad se movilice para que ese escenario cambie. En España no llevo tanto tiempo como para hacer una evaluación con la suficiente propiedad, pero es cierto que aquí me encuentro cómoda con las iniciativas que están en marcha y las que están por venir. Formo parte de la Asociación de Profesionales de la Danza, Movimiento en Red, desde que me mudé y colaboro activamente con el resto del equipo para sacar adelante proyectos junto con otros profesionales del sector.

–¿Qué proyectos de futuro tiene entre manos?

–Este año pretendo seguir presentando 'Retrópica', ¡pero también será un año de creación! En el segundo semestre, estrenamos 'Devórate' proyecto en lo cual sigo con la investigación antropófaga. Es una coproducción Brasil-España, en la cual tendré el placer de compartir la investigación con las bailarinas Janet Novás y Rebeca García Celdrán.

–Ha sido seleccionada para La Reunión en Danza (RED) de este año que se celebra en tres ciudades gracias a la ayuda 'Tan Cerca', ¿qué le parecen este tipo de encuentros?

–La iniciativa 'Tan Cerca' que propone un modelo colaborativo entre autonomías muy necesario y que además aporta muchísimo a las creaciones de artistas emergentes. No es común poder contar con ayudas a la creación coreográfica. Sobre la RED, creo que al abrir el proceso de creación al público también se abre la oportunidad de reflexionar, madurar y afinar el trabajo, para que llegue a un resultado final coherente con la propuesta de creación y en cohesión con el feedback del público. El año pasado asistí al evento como público y me he dado cuenta de que algunos trabajos que ahora circulan por España, pudieron empezar gracias a La RED.

–¿Qué es la danza contemporánea? ¿cómo la define usted?

–La danza contemporánea puede ser muchas cosas, pero no cualquier cosa. Creo que en el mundo en el que nos toca vivir, con tanta información, tantas pantallas y 'tuiteo', nos obliga, como artistas contemporáneos, a crear conforme a la responsabilidad social que tenemos y a tener coherencia entre nuestro discurso y nuestra práctica. No se puede hacer un trabajo en 'modo Instagram', a toda prisa, hay que a profundizar, repensarlo, vivirlo, elegir, reelegir, poner cosas, quitarlas, volver a ponerlas, estudiarlas... en fin, tener claro, hasta lo más profundo, lo que quieres decir y bailar. Creo que todos los trabajos con procesos de creación superficiales resultan al final trabajos superficiales. La danza contemporánea es investigación, tiempo e insistencia en un lenguaje.

–¿Exploró otras danzas antes de decantarse por la contemporánea?

–Sí. Mi formación inicial es en ballet clásico y danza moderna. A los dieciséis años empecé a estudiar danza contemporánea y a los veinte a estudiar teatro y 'performance art' en la universidad.

–También es profesora de danza en Cantabria, ¿cuál es la primera lección que enseña a un joven alumno que quiere ser bailarín?

–Estoy colaborando en las escuelas de Raquel Puente, Cristina Arce y con el Plan de Danza de Movimiento en Red, la Asociación de Profesionales de la Danza de Cantabria. Siempre me gusta decir a mis alumnas que danzar es 'tener fe en el cuerpo'. Creer en una misma es fundamental y dedicar muchas horas a la técnica también.

–¿Quiénes son sus referentes?

–Me gusta seguir la trayectoria de mis compañeras, las que empezaron conmigo o las que me crucé en alguna compañía de danza. Para mí, referente es aquella bailarina, intérprete o coreógrafa que, aun con todas las adversidades del sector, logra vivir de la danza y sobretodo disfruta de su labor.

–¿Qué le ha enseñado la danza?

–A enfrentar las adversidades, resistir, hacer una pirueta y seguir.

–¿Es duro ser bailarina? ¿Cómo es su día a día? ¿Cómo es su proceso creativo?

–Creo que todas las profesiones tienen sus dificultades, pero lo duro de la carrera de un bailarín no está solo relacionado con los desafíos físicos o artísticos, sino también con los desafíos del sector, que van desde las bajas condiciones laborales en compañías, hasta la gestión como profesional autónomo o con su compañía independiente. El día a día puede variar mucho dependiendo de donde actúa. Por un lado, puede ser contratado por una compañía pública en la que tu labor significa lograr artísticamente y físicamente lo que una coreógrafa o una directora te solicita. Y puedes ser un artista independiente que también tiene que gestionar su empresa. Cada creación es muy particular, pero suelo empezar por lo teórico, es decir, por una idea o un concepto.

–Terminemos haciendo un regalo a la danza, ¿qué le regalaría?

–Más gestores competentes, artistas involucrados y un público interesado.